Se rapprochant de sa veine Trainspotting avant de lui donner une suite à l’écran, jonglant aussi avec un labyrinthe scénaristique à la Inception de Christopher Nolan - dont l’ancêtre illustre demeure le Vertigo d’Hitchcock -, le Britannique Danny Boyle s’est écarté des rives plus naturalistes où l’avaient conduit l’oscarisé Slumdog Millionaire et 127 Hours, sans remiser leurs jeux de miroirs. Tourné avant sa mise en scène de la cérémonie d’ouverture des Jeux olympiques de Londres, monté après cet épisode, le film indique quelle voie il entend creuser à cette étape de sa carrière.

Paris – On ne présente pas le cinéaste François Ozon, un des phares français de la nouvelle Nouvelle Vague. Depuis son premier long-métrage Sitcom en 1998, aux couleurs pasoliniennes à la Teorema (un rat blanc faisait basculer les destins familiaux), il a fait montre d’une audace, d’un éclectisme, d’un art de jongler avec les dimensions, tâtant du merveilleux et du grotesque, osant les anges et les fantômes.

Le processus est-il plus important que le résultat ? La question n’est jamais posée aussi clairement dans Le triomphe du mur, de Bill Stone. Pourtant, elle hante plus d’une fois les pensées du documentariste québécois, confus parfois devant le tempérament fuyant, énigmatique et souvent séduisant de son sujet.

Après l’immense succès planétaire de son premier documentaire au croisement du film animalier et du pamphlet politique, Sharkwater (2007), le Canadien Rob Stewart a sillonné le monde pour porter son message, à la fois optimiste et pessimiste : le destin de la faune et de la flore est intimement lié au nôtre ; le saccage de nos ressources et de notre habitat ne peut plus durer.

Ce film axé sur une illustre filiation, Auguste Renoir, immense peintre impressionniste de la sensualité, et Jean Renoir, un des plus grands cinéastes que la France ait enfantés, repose beaucoup sur sa lumière et son arrière-plan visuel et humain.

On se croirait devant une minisérie comprimée, comme au temps où la tendance mondiale (de Fanny et Alexandre de Bergman aux Plouffe de Carle) était de miser sur les deux fronts : une version abrégée pour le cinoche, une longue, ventilée en quatre à six épisodes, pour la téloche. Celle-ci expliquait ce que l’autre évoquait, développait ce sur quoi l’autre enchaînait. Les deux formules autonomes devenaient, pour peu qu’on s’éprenne du film ou de la série, interdépendantes.

Autrefois, à l’école, Richard a été persécuté par Paul. Lequel était lui-même écrasé par son père. À partir de ce cas de figure exploité récemment dans Les Pee-Wee : l’hiver qui a changé ma vie, le Québécois Jimmy Larouche formule dans La cicatrice une plaidoirie masculiniste qui, au-delà de sa sincérité évidente, déboule comme une tonne de briques.

Présenté hors compétition au dernier Festival de Cannes, le gentil The Sapphires de l’Australien Wayne Blair, adapté d’une pièce à succès sur Broadway, ne prétend aucunement faire dans la dentelle et réinventer l’esthétique du septième art. Production populaire affichée comme telle, ce film (qui semble une version australienne de Dreamgirls), inspiré de la carrière d’un groupe de chanteuses aborigènes d’Australie, appuie l’émotion tout en abordant (en surfant) des questions plus graves : le racisme, la guerre, le problème d’identité des mulâtres, les courants contestataires des années 60, etc.

Un fiscaliste à la présidence du conseil d’administration de la Cinémathèque québécoise ? Un siège autrefois réservé le plus souvent à un cinéaste ou à un producteur, la chose a pu surprendre lors de la nomination de Charles David à l’hiver 2012. Son arrivée à ce poste, précipitée, s’inscrivait dans un climat de crise provoqué par le départ de la directrice générale, Yolande Racine, et son remplacement par la présidente, Iolande Cadrin-Rossignol. La crise était également financière, digne d’un film-catastrophe. Mais que diable allait-il faire dans cette galère ?

Iolande Cadrin-Rossignol, directrice générale par intérim de la Cinémathèque québécoise depuis janvier 2012, aime bien une formule à la fois simple et éloquente pour décrire ce phare du septième art : « Un rêve en mouvement ». Or est-ce toujours un rêve de tenir les rênes d’un établissement qui, il y a un an à peine, criait à l’aide dans les pages du Devoir et remettait ouvertement en question son avenir immédiat ?

Peu d’entre nous savons que la Cinémathèque recèle quantité de petits trésors. Non seulement possède-t-elle les archives personnelles de plusieurs de nos grands cinéastes, mais elle dispose également de la plus imposante collection de films québécois, de même que de riches collections de livres, d’affiches, de photos et d’objets reliés au monde du cinéma et de la télé.

« Lorsque l’Office national du film a déménagé d’Ottawa à Montréal en 1956, les studios d’animation ont suivi, ce qui a engendré l’éclosion d’une communauté d’animateurs ici, raconte Marco de Blois, conservateur et programmateur à la section de cinéma d’animation de la Cinémathèque. L’animation est très rapidement devenue un domaine d’excellence au Québec. Les fondateurs de la Cinémathèque ont eu le flair de penser qu’elle devait avoir sa place dans cet organisme, de façon à mettre en évidence une des forces du cinéma québécois. » Petit rappel historique.